香港、台湾
侯孝贤:广东梅州人,1948年不满半岁的侯孝贤随家人由广东梅州迁居台湾花莲.家人原想客居数年,不料因政治原因无法重归故土,因此可以说侯孝贤长于台湾:"十二岁父亲去世的隔年夏天,吃过午饭,少年侯孝贤照例赤着脚,通过后门来到县长公馆的前厅,坐在墙上偷摘芒果.墙外面就是马路.通常小孩摘了芒果就跑,少年侯孝贤选择镇定地待在原地享受他的战果.整个街道非常寂寥.远远传来脚踏车吃力轮转声,声音如此微弱,分不清脚踏车从哪里来又要往哪里去.树下面是一个独立世界,有人出来转一圈,一会儿又不见.坐在树上的少年侯孝贤清醒地感受到微热的风,安静的蝉声,人的活动.他突然感到寂寞.好像时空整个凝结在那里.这个印象一直到他长大开始创作,成为他作品最重要的基调:一个俯瞰人世的旁观者.温暖,但带着距离,所以绝对的清醒."
1969年,侯孝贤从军中退役,并且以第一志愿进入了当时的国立艺专电影科就读(现已改制成国立艺术学院).1972年,侯孝贤顺利从学校毕业,这一年他25岁.毕业后的侯孝贤,在游晃了一年之后,终于在1973年参与了李行导演的《心有千千结》的拍摄作,这是他第一次正式接触电影的制作,他是场记. 1975年后编写了电影剧本《桃花女斗周公》、《早安台北》等.1979年后担任《我踏浪而来》等影片的编剧和副导演.从此便开始踏入电影圈,最初是以编剧开始逐渐让台湾民众接触并喜欢的.从1979年的《秋莲》、1980年的《天凉好个秋》直到1985年的《青梅竹马》和《童年往事》.其中1933的《小毕的故事》曾获得第二十届金马奖最佳剧情片奖和最佳改编剧本奖.
1981年侯孝贤拍出第一部长片《就是溜溜的她》,他独树一帜,大胆运用长镜头而造就出的独特视觉风格,后来成了侯孝贤电影的标记.1982年他又拍出了《在那河畔青草青》.1983年的他拍摄技术日臻完善,作品《风柜来的人》所呈现的是一个平静、悠闲的渔村景象,主人公阿清和同伴们成天无所事事,他们看白戏、赌博、逞勇斗狠.终于有一次,他们因为闹事闹得太厉害,被警方惩戒,于是结伴离开风柜mm这个澎湖列岛中的一个小岛,他们栖息的家,来到了光怪陆离的高雄,一切都变了,他们对这个城市感到茫然、陌生、焦虑和恐惧.在两种生活状态的切换中,侯孝贤的想传达的心绪是不言而喻的.同年他拍摄了《儿子的大玩偶》这部悄然揭示父爱的电影:小乡镇失业青年坤树为了养家糊口,替电影院做"三明治广告人".他化装成小丑,身前身后挂着厚厚的广告牌,在烈日酷暑的街头游走、宣传.可是当坤树去掉化装的油彩时,小儿子竟不认识父亲了,被吓得哭闹起来.他无奈只好再化装成小丑,以赢得儿子的欢心.《风柜来的人》和《儿子的大玩偶》也奠定了侯孝贤的叙事风格:就像是一个旁观者,偶尔娓娓道来,偶尔沉默不语,平静的用他的长镜头展开充满着中国山水画留白的无尽画面,而画面里的台湾小城镇,衣着朴素的青涩少年,年迈老朽的台湾阿公...一切的一切都让观众在静观在这种简约的镜头下,深深地感到一种情感和意象的延伸.
1985年,侯孝贤筹划拍摄了半自传体的电影《童年往事》,这部电影被影评人认为是其早期作品的代表作,而在大多数的看众眼里,它所传递的那种悠悠的成长之旅实在是赚人热泪.电影的一开始就是他自己的声音,讲述着家族的迁徙,从梅县到台湾凤山,静谧的固定镜头,拍着他幼时的家,和家的中心m父亲.而后镜头带到老奶奶用她温柔的声音喊着...所有人都对电影中的三个记录死亡的镜头印象深刻:记从父亲死亡时全家人的伤痛,到母亲死亡时的儿子肃穆沉默,最后老奶奶的死亡,已变成仅有旁白的自述.在《童年往事》的尾段,侯孝贤用了旁白去忆述婆婆之死:"看到婆婆的手有蚂蚁在爬,才发现她可能死去多时hh",仿佛惋惜多于悲怆的旁白让整个画面忽然弥漫开一种淡淡的离愁,有人说,侯孝贤作品是浪漫的,诗化的.那么《童年往事》恰是这种说法最自然的注解.
侯孝贤早期作品,不仅成功地在美学上营造出一种"视觉真实感",同时也透过人物角色与空间的选择、情节故事的安排等等,记录台湾的"成长过程".前者是美学感受,后者则是在特定历史时空下人民生活的处境与社会关系;前者诉诸于观众的注视,后者则是突显观众所处的社会位置.在长镜头的铺设下,观众遥远的关注着这个社会,却分明近距离的感受到了一种浓重的情感积淀mm画面上朴素的村庄、生动的田野和规矩的人们在一种早已预设好了的生活轨道上点缀着时空,而故事往往就发生在这样的岁月和地点.我们在侯孝贤的电影里,看到的是自己幼年时候玩耍过的游戏,蹲在门口等大人回来的经验,吃到一根雪糕的喜悦hh这些琐碎的、平淡的,似乎只会吸引小孩子的情节累积起来,偏偏构成了一部一部感动了整个电影院的作品.如果说侯孝贤试图通过镜头说服观众的感动,或者说不是侯孝贤打动了观众的心,真正打动我们的正是我们自己.
1987年的《尼罗河女儿》让侯孝贤遭到了前所未有的批评:镜头长度比《在那河畔青草青》长了许多,而且不用分镜,改用数个静止长镜头,这让很多曾经欣赏长镜头风格的人对这庸长得让人一头雾水的"侯式"镜头表示怀疑,尽管在这部电影中,侯孝贤试图表现的是隐藏在台北霓虹灯下种种不健康的都市文化的忧思,但过分长镜头的铺设让人产生郁闷,无聊的感受.在《尼罗河女儿》中,角色被枪杀,是突如其来的一枪,然后死亡,事前绝无任何铺排,绝无用任何方法令观众的情绪慢慢酝酿,尽管侯孝贤认为刻意安排正代表了欠缺自然,然而却无法让人承受.对于众人善意或挑衅的批评声,侯孝贤照单全收,然而他却比平常更沉默了.同年的《恋恋风尘》却一扫《尼罗河女儿》里晦涩难懂的镜头含意,出现在观众视线里的是一个平凡真实的爱情故事,一段平添自然的人生历程.男主角到金门当兵,发生兵变,女主角与每天来送信的邮差结婚.这本来可以一句话就说完的事,却实实在在揪着观众的心长达102分钟.每个人都试图通过电影找寻当年自己的影子,每个人都知道这段爱情的结束不是谁的过错.
沉寂了2年之后,他终于向世人展示了他超才华的颠峰之作《悲情城市》.他成功的完成了从关注台湾民生成长过程到关注社会历史问题的一个自然的淡入淡出.但是"人"依然是侯孝贤永远关注的.说到《悲情城市》,我相信有太多的人用他们自己的方式欣赏它和品味它,电影中的许多镜头已经成为耳熟能详的经典.《悲情城市》的优美及苦涩让所有看过的人都无法释怀.这是一部以历史事件为背景的大制作,依旧是把摄影机不远不近不离不弃的摆在画面的一侧,依旧是漫不经心事不关己的画外音,依旧是温情脉脉柔和生动的光晕,太熟悉了,每个人都在心底说,还是侯孝贤啊!《悲情城市》里的悲情来自于电影里文清和宽美在时空边缘苦苦维系的爱情,来自于宽容和大家情绪激昂,慷慨高歌《流亡三部曲》,也来自于"你们要尊严的活着,父亲虽死于狱中,但请相信,父亲无罪."的遗书,来自于一切一切在历史背景下被践踏,被忽略的人性尊严.《悲情城市》为台湾人长期心中的禁忌与恐惧,作了最伤痛的回忆,片中无论是陈仪所代表的官方叙事,还是宽美的日记,都是让观众看到所谓台湾光复的历史叙事原来是如此的充满断裂,充满悲情.而侯孝贤自己在接受采访时则说:"这部电影想要抓住的感觉,与其说是尝试要为这几十年来的台湾历史进行注解,其实是更像把一首台语老歌给唱出来,歌词简单,情感直接,但唱的人和听的人都会在歌声中找到自己寄托的空间、非关逃避,超级变态传奇65535,而只见人的韧性."1993年的侯孝贤悄然的推出了他的新作《戏梦人生》,这是一部记实性的电影,纪录了台湾处于日本殖民统治时期,布袋戏艺术大师李天禄坎坷的一生;侯孝贤在通过当事人的亲身忆述及导演重塑的处理场面,造成一个时空穿梭交替、多重视点的李天禄回忆录;再度呈现了被历史无情压抑的人的悲哀.为贴切地呈现这位根植台湾本土的艺术家半生的生活经历,侯孝贤独放弃特写效果,就是要避免蒙太奇对观众视角的蓄意操纵,而试图把观众推在任何一个特定的视角之外,使观众与人物的内心世界相隔离,以平实静观的态度来捕获一个个非戏剧性的日常活动片断."生活本身就是历史"这就是侯孝贤信奉的观念.这部电影的配乐也非常特别,采用了台湾本土的月琴取代了传统的吉它,月琴一拨,那些来自乡野民间的歌谣就通过那些质朴的嗓子吟哦出来,然而转瞬间,又飘散在喧嚷的人潮或带着泥土味的空气里.像极了侯孝贤的电影风格.不管有多少的痛楚与感怀,镜头一转便是满目的绿水青山
1995年,侯孝贤延续了他的长镜头风格,但放弃了静止镜头的泰然自若,取而带之了上下摇晃的动感效果,在当时让很多熟悉他的影迷都大觉意外.《好男好女》所描述的爱情也分明被打上了时代的烙印:当少女蒋碧玉认识钟浩东的时候才十六七岁,那时蒋是个少女护士,钟浩东则是因为用功过度而犯了轻微的神经质住院,他们常在一起说话,那时的有钟浩东强烈的国家意识,还说他是要革命的人,不能结婚,蒋碧玉总是听着他说,对他宏大的理想,浪漫的祖国意识,都存着模糊的尊敬,心里想着即使不结婚也好,默默的决定跟着他.这一跟就是一辈子的事...《好男好女》、《戏梦人生》和《悲情城市》,这三部连续推出,反映不同时代背景的电影,成为了台湾的"悲情三部曲".也是侯孝贤中期创作的显著特色:直接与台湾过去的历史对话,叙事的时间轴不再单一,采用不同时空交错处理.
1998年的《海上花》是一部华丽而颓废的作品,据说整个妓院在台湾建景拍成,美工为了找到能体现生活痕迹的"没用的东西"还特别煞费苦心.《海上花》,上海花,是一朵朵在上海英租界讨生活的名妓花,只可惜她们被深锁在花房,只能白白地等待最美的花期过了,尽管是招来迎往、万般宠爱,却还是一身孑然,华丽但颓废.实在是无法想象,台湾的侯孝贤拍起老上海的故事,竟可以这么平稳而内敛.据说侯孝贤在回答记者关于《海上花》时空局限时的回答是:"hh 用冷静客观的角度去看那些妓女们的生活,所以我故意不拍外景,因为她们困顿在这一个situation里面跑不掉.其实每个人都是,他们出生来到这个社会就跑不掉."这样的断言实在是很另类.
侯孝贤又在筹划他的新电影《千禧曼波》:全片分为"五百万的恋情"、"爱到昨天停止"等7段剧情,每段将剪辑3分钟片段在网上先行播放,让网友提出回应与质疑,并以此为题材继续发展新的故事,如此的枝干绵延将可无限延展,传统电影的框架因此将被彻底打破.想到侯孝贤也可以这样前卫.
导演作品:
《海上花》 Flowers of Shanghai (1998)
《南国再见,南国》 Goodbye South, Goodbye (1996)
《好男好女》 Good Men, Good Women (1995)
《戏梦人生》 The Puppetmaster (1993)
《悲情城市》 A City of Sadness (1989)
《恋恋风尘》 Dust in the Wind (1987)
《尼罗河女儿》 Daughter of the Nile (1987)
《童年往事》 The Time to Live and the Time to Die (1985)
《冬冬的假期》 A Summer at Grandpa's (1984)
《儿子的大玩偶》 The Sandwich Man (1983)
《风柜来的人》 The Boys from Fengkuei, aka All the Youthful Days (1983)
《在那河边青草青》 The Green, Green Grass of Home (1982)
《风儿踢踏踩》 Cheerful Wind, aka Play While You Play (1981)
《就是溜溜的她》 Lovable You, aka Cute Girls (1980)
李安:生于台湾屏东潮州,祖上作过国民党时期的县长.李安自幼生长在书香门第,父亲是一所中学的校长,治家甚有古风、教子极为严格,甚至很长一段时间逢年过节在家里还要行跪拜礼.李安就是在这样有浓厚中国氛围的家庭中成长起来的,热血传奇私服,家庭带给他的不仅仅是中国文化的浸染,父权家庭的中国典型模式也为他日后的作品提供了生活基础甚至是原始素材.
尽管李安受到这样的教育,生活在这种环境里,他还是爱上了电影和表演.1973年他作了一个让父亲十分愤怒的决定mm考取了台湾国立艺专戏剧电影系,到台北进修.在这个传统家庭里,从事演艺事业简直就是大逆不道,李安的父亲甚至在许久以后还愤愤不已.在国立艺专里,李安对演戏越来越有兴趣,还曾经获得台湾话剧比赛大专组最佳男演员奖.
1978年李安在国防部服役后赴美留学,就读于依利诺大学戏剧系导演组,当时的李安已经摄制过两部八毫米短片:《星期六下午的懒散》和《陈勤的一天》.在戏剧系里,李安接受了西方正规的戏剧教育,由于他在台湾艺专的经验,只用了两年就拿到了艺术学士学位.最初的这些戏剧经验,对李安日后的电影作品的戏剧倾向有着重要影响.出于对电影的向往,李安又来到以电影学院著名的纽约大学,继续学习电影制作.纽约大学电影系和纽约电影学派的现实主义态度和电影观念深深影响了李安的学习和创作,伍迪.爱伦的犹太知识分子电影或多或少地使李安得到熏陶,对李安日后作品的中国民族风格和幽默感的融入大有裨益.进入纽约大学后,李安拍摄了16毫米电影作品《追打》(The Runner 1980)、《我爱中国菜》(I love Chinese Food 1981)、《最棒艺术家》(Best The Artist 1981)等.李安于1982年拍摄的《荫凉湖畔》(I Wish I was That Dim lake)获纽约大学奖学金,并于第二年参加了台湾政府主办的独立制片电影竞赛,获得金穗奖最佳短故事片奖.1984年完成毕业作品《分界线》(Fine Line)获纽约大学生电影节金奖作品奖及最佳导演奖.并获电影硕士学位.
毕业以后,李安留在美国试图开拓自己的电影事业.但一个华人想在美国电影界混出名堂,谈何容易,李安开始了自己长达6年的等待.最初有一家经纪人公司看中了这个出色的年轻华人,答应做他的经理人,但李安一直也没有适合美国人的剧本,经理人也只是空谈.6年的等待,而且是漫无边际的等待,李安真的熬过来了.6年中,李安只是在家中写剧本,偶尔亲戚朋友帮衬一点外快,主要的就是靠药物研究员的妻子在外工作,养家糊口.多年的女主外男主内的生活不仅让李安练就了一手做菜的"绝活",而且也磨练了李安的性情.看李安的作品,不紧不慢,平淡之中透着张力,恐怕也是这段生活的体验吧.
进入90年代,李安开始得展拳脚.1990年为了台湾新闻局徵选剧本的高额奖金,李安编写了《推手》的剧本,结果真的得到台湾1990年的政府优秀剧作奖,奖金四十万元(另一份李安和冯光远合写的《喜宴》剧本也同时得奖).之后很快由台湾中央电影公司投资、纽约库德玛西恩公司制片开拍了这部电影,使得《推手》成为李安导演生涯的第一部长片,而此时他已经三十七岁了.
《推手》的构思和细节处理,几乎就来自李安闲居美国的生活状况,恐怕也只有李安这样既受过传统中国文化教育,又在美国有过长期生活的人才能写得出如此感同身受的作品来.其中诸如那个什么也写不出的美国女作家之类的很多细节,都带着李安自己生活的影子,6年的忍耐和中年男人的细心在这部带着温情的电影中显露出李安特有的温文尔雅的气质.郎雄饰演的老拳师成了李安作品中的第一个"父亲"形象,影片也成了后来被称为"父亲三部曲"的第一部.影片上映后好评如潮,所有人都在一直赞赏这个突然杀出的中年导演.影片获得当年台湾金马奖最佳导演提名.《推手》的成功,使台湾中影公司对李安更加有信心,决定投拍题材比较敏感的《喜宴》,仍旧由库德玛西恩公司再度合作制片.这部关于同性恋的影片的基本素材来自李安身边的一个真实故事,李安并没有本着猎奇的态度拍摄这样一个当时还很敏感的题材,而是强调一个家庭mm一个"正常"的家庭面对这个问题的多向度反应.在这里同性恋固然是一个特殊的题材领域,但李安成功地把它拉回到普通生活之中,放到家庭这个社会基本单位中加以考验,得出最为现实也最有人情味的试验结果.父亲形象又一次出现在这部影片之中,作为家庭最权威的代表,成了李安影片的一个标志.影片上映后获得更为盛大的成功,不仅获得第三十届台湾金马奖最佳作品、导演、编剧奖以及观众投票最优秀作品奖,而且还获得柏林电影节金熊奖、第十六届亚洲人、美洲人国际电影节最佳编辑奖,李安也一跃成为世界知名导演.
1994年,李安执导了《饮食男女》(Eat Drink Man Woman)中把中国烹调艺术带入家庭和情感的戏剧之中,不仅增加了可视性,而且展现了东方文化迷人的魅力.李安表现中国家庭伦理、东西方文化冲突、新旧观念冲突的一系列影片,在这个特殊的形式中达到顶峰,李安也成功地完成了他的"父亲三部曲"或者说"家庭三部曲".影片获得了第七届台北电影奖优秀作品奖,第三十九届亚太电影展最佳作品、最佳剪辑奖,第七十七届大卫格里菲斯奖最佳外语片奖,名列1994年台湾十佳华语片第一名.
在这最初的一系列作品中,李安利用自身经历上的优势,在家庭伦理题材的领域里突出表现了这个变更时代社会基本单位mm家庭中的新旧冲突、东西方文化冲突,以及所引起的社会文化和家庭伦理观念上的变化.李安的作品,总是带着中国传统文化温文尔雅的气质,虽然中庸却很现实,其表现手法也同样质朴自然,继承了台湾电影生活味道浓厚的传统.而得益于西方电影和文化则是强调(或者说抓住)人物对白在自然中别有风趣的幽默品格.二者的融合,形成既富东方格调,又有强烈电影感的风格.至此,李安电影的"中国文化品格"初步形成.
似乎又是出于中国文化中对"3"的喜爱,李安在接下来的5年中又拍摄了三部纯美国题材的影片:《理智与情感》、《冰风暴》和《与魔鬼共骑》.应该说,第一个把英美电影作品导演权交给一个台湾人的制片人,是个勇士.李安的勇士就是林德塞.道拉.在看过《喜宴》和《饮食男女》之后,道拉把剧本交给了李安的经纪人,不久之后李安开始了他征服英美影坛的新"三部曲".根据著名作家奥斯汀的著名小说《理智与情感》改编的同名电影,是李安的又一个开始.这是个爱情+继承权的典型欧美电影,改编者爱玛.汤普森也是英国著名才女,对于李安来说,这部影片的成功与否是个关键.人类的情感是共通的,人类的家庭也是类似的,李安对中国家庭的描写经验使得影片更为细腻,完全符合女作家特有的笔触,而他对西方文化的熟悉也使影片没有在任何地方露出破绽.影片再一次大获成功,不仅获得柏林电影界金熊奖,而且还在奥斯卡竞争中获得七项提名.
1997年,李安完成了一部检视美国70年代家庭伦理崩溃时期的作品《冰风暴》.这是他首次尝试沉重的主题,以苦乐参半又不失风趣的眼光,检视七十年代小镇家庭的衰败颓落.这部片的结构严谨,气氛凝重,从几个家庭折射出强烈的历史感,可以说是李安描写家庭的极致之作.60年代末70年代初的美国,也是世界的美国,李安就是以一个世界人的眼光考察那一个特殊的时代、特殊的社会时期,李安一直致力描绘的家庭就是从那里走向崩溃的、父权就是从那里走向衰落的.在那里,李安寻找着《推手》、《饮食男女》等中国影片的人类社会发展的根源.
1999年,李安再一次抱着磨练和尝试的态度,拍摄了一部美国南北战争时期的影片《与魔鬼共骑》.这种题材在美国导演也是很困难的,作为一个华人导演能够执导这样的影片,暂且不论成绩如何,至少已经说明李安获得了美国,乃至世界影坛的认同.
2000年,是李安风光无限的一年,一部《卧虎藏龙》红遍香港台湾、红遍大江南北,甚至一路杀入欧洲影坛,并在很难打入的美国市场也赢得一亿多美元的票房,是华语电影绝对空前的骄人成绩.这部还未开拍就已轰动的影片,从开始拍摄之后,刚开一秒传奇,几乎所有的中国影迷就都期望着早日看到影片问世,对"文戏"导演出身的李安也充满了期待.对李氏文艺武侠片的期待,一是希望加强情节、剧本、人物的处理,拍好文戏部分;再就是期待李安开辟出武侠电影的一个新境界,把握好武戏的分寸.最后的结果虽然不能让所有人满意,但也足够大部分人欣喜、兴奋了.在前几年武侠电影盛行的时候,大部分影片仍旧是老式的武侠"故事"模式,但经李安之手,这部影片几乎可以称之为真正"允文允武"的文艺武侠电影.李安在这个"文学性"的武侠故事里,体现的是对武侠世界里"人"的关注.2006年李安的作品《断臂山》再次得到好评,成为华人的骄傲.
导演作品:
1972年:《推手》(Pushing Hands)
1993年:《喜宴》(The Wedding Banquet)
1994年:《饮食男女》(Eat Drink Man Woman)
1995年:《理智与情感》(Sense and Sensibility)
1997年:《冰风暴》(The Ice Storm)
1999年:《与魔鬼共骑》(Ride with the Devil)
2000年:《卧虎藏龙》(Crouching Tiger,Hidden Dragon)
2005年:《断臂山》(Brokeback Mountain)
王家卫:1958年出生于上海,5岁移民香港.王家卫毕业于香港理工大学平面设计系,并在这期间开始对摄影发生兴趣.1980年毕业以后他参加了香港TVB电视台的电视制作培训班,随后以助理的身份参加了一系列电视剧集的制作,并迅速成长为一名出色的编剧.1982年王家卫离开TVB,在随后的5年时间里,他创作了大约10部电影剧本.
1988年初执导筒的影片《旺角卡门》其个人独特的风格,敏锐的触角,在当时被誉为具有非凡才华的新锐导演.1990年他集合了六位香港最受欢迎的演员执导了影片《阿飞正传》,该片囊括了当年香港电影金像奖最佳电影,最佳导演及最佳男主角等奖项.
1992年他以其惊人魄力,用两年的时间摄制了一部大型古装武侠片《东邪西毒》,以其澎湃激涌的气势,似魔似幻的灿烂史诗,获选在1994年威尼斯影展作首次公映.同年在《东邪西毒》后期制作期间,仅以两个月的时间,完成了另一部脍炙人口的影片《重庆森林》令他在国际电影界深得认同.
1995年,他完成《堕落天使》,并于多伦多国际电影展中首映,其另类的脱俗风格,成为影展时的焦点话题.1997年的《春光乍泄》入选戛纳国际电影展竞赛部份,获一致好评.王家卫成为了首位在该电影展中获得最佳导演奖的华人导演.200年一部以六十年代,以香港为背景,踏著往年情怀的旧梦,缅怀浮世缤纷的温馨,由张曼玉与梁朝伟再次合作的影片《花样年华》乘千禧年呈现于国际及香港的影坛,更获得本年度戛纳电影节的最佳特别技术大奖及最佳男主角大奖.《2046》是王家卫第一部科幻电影.
导演作品:
《旺角卡门》1988年
《阿飞正传》1990年
《重庆森林》1994年
《东邪西毒》1994年
《堕落天使》1995年
《春光乍泄》1997年
《花样年华》2000年《2046》2004年
吴宇森:1946年生于广东省,4岁随家人迁到香港,19岁开始拍摄实验短片.还在学校的时候他就开始探索立足香港电影市场的切入点.25岁在邵氏兄弟影片公司作为助理导演开始正式拍片.27岁独立执导了影片《铁汉柔情》,此时他已加盟嘉禾公司,还导演了《女子跆拳群英会》和《少林门》,后一部影片中成龙第一次担任重要角色.1983年,他离开嘉禾加入新艺城有限公司,执导了《英雄本色》、《喋血双雄》、《纵横四海》、《喋血街头》、《英雄本色Ⅱ》、《辣手神探》等影片.
吴宇森打入好莱坞的第一部影片是尚格云顿主演的《终极标靶》.他还与好友张家振成立了自己的制片公司WCG公司,并拍摄了约翰.特拉沃尔塔主演的《断箭》.他进军好莱坞的第三部影片是尼古拉斯.凯奇和约翰.特拉沃尔塔主演的《变脸》.他创造了美国影片新的票房纪录.
吴宇森在拍片的同时还为电视台拍摄名为《纵横四海》的系列节目.1998年他首次拍广告片,为NIKE作宣传.他的二战新片《风语者》由尼古拉斯.凯奇主演,他的新公司mm狮岩制片公司出品.目前吴宇森正着手准备他的新片《华工血泪史》,该片可能由尼古拉斯.凯奇和周润发联袂主演.
《帝女花》(Princess Chang Ping) 1975年
《少林门》(HAND OF DEATH) 1975年
《发钱寒》(Money Crazy) 1977年
《豪侠》(Last Hurrah for Chivalry) 1978年
《滑稽时代》(Laughing Times) 1981年
《笑匠》(The Time ...